Falleció la mañana de este lunes el merenguero típico Tomás Santana de la Cruz, conocido popularmente como el “General Larguito” quien desde diciembre del pasado año estuvo padeciendo de neumonía bilateral en ambos pulmones.
Al momento de su muerte el artista tenía 69 años de edad y se encontraba en la miseria que no le permitía costear su proceso de enfermedad.
El músico también padecía de gastroenteritis (vómito y diarrea), lo cual le produjo una deshidratación moderada y por la misma deshidratación, también tuvo un proceso de desnutrición.
El intérprete de “Navidad sin madre”, fue ingresado recientemente a la unidad de cuidados intensivos de la clínica Cruz Jiminián pero fue sacado tras presentar mejoría en su salud.
Familiares llegaron a pedir al Gobierno dominicano que le otorgara una ayuda económica, debido a que no poseía ingresos económicos suficientes para sustentarse.
La cantante mexicana Thalía aúna el presente y el pasado en su nuevo disco "Latina", en el que se muestra como la mujer que es hoy en día y recupera sus raíces y unos sonidos "más latinos que nunca".
La artista, quien ha fusionado en su última producción lo urbano y lo tropical, el mariachi y el vallenato, quiere mostrar su versión más actual a la vez que rememora la música que "oía en su barrio".
"Es como presentarme como soy hoy en día, la mujer en la cual me he convertido, pero también retomando mis raíces, la música que yo oía en mi barrio, creciendo en mi colonia, esos ritmos tan nuestros, tan latinos que salían por las ventanas ", dijo Thalía en una entrevista con Efe.
Según la artista, la palabra "latina", ha estado desde que internacionalizó su carrera muy "pegada" a ella.
Y es que la mexicana solo podía entender "latina, México, música" en los titulares de los medios extranjeros que escribían sobre ella.
"Es un título que se nos dio muy orgánico, sin pensarlo", señaló Thalía, quien lleva más de un cuarto de siglo en la industria de la música.
Además, la esposa del empresario musical Tommy Mottola señaló que el título de este disco llega en un momento en el que la cultura latinoamericana está en "auge" y la gente quiere "escuchar nuestras propuestas y opiniones".
"Estamos en el gusto del mundo de una forma muy latente en este momento", apuntó la artista.
Ariadna Thalía Sodi Miranda, más conocida como Thalía, considera que en este nuevo álbum deja visible su sello de identidad, "la dualidad entre lo romántico y lo sensual", que según dice es lo que busca el público en su música.
El disco, que se lanza el 6 de mayo, tiene como carta de presentación el sencillo junto a Maluma "Desde esa noche", en el que se combina el sonido urbano con la trompeta mexicana y el acordeón colombiano.
Este sencillo nace de la necesidad que tenía la mexicana de un "cómplice".
"Esta canción me pide a un hombre que me esté cantando y yo decirle a él. Como si estuviéramos los dos en un pimpón de una historia de amor", explicó la artista, quien en su álbum también cuenta con otras colaboraciones como las de OMI, Silvestre Dangond, De La Ghetto y Jacob Forever.
En relación a estos duetos, la cantante, que ya en ocasiones pasadas colaboró con el bachatero Romeo Santos o Pedro Capó, confesó que estos "surgieron sin buscarlos", de una manera muy natural.
El disco, que cuenta con una producción internacional, fue grabado en países como México, Nueva York, Colombia, Miami y Grecia entre otros, lugares donde encontraron "sonidos auténticos".
Siguiendo con su argumentación, la mexicana además de mostrarse emocionada con su nuevo lanzamiento, adelantó que el disco tiene una "amalgama" de sonidos, colores y texturas que lo hacen "diferente, alegre y positivo".
A la pregunta de si existe una evolución después de 13 álbumes de estudio a sus espaldas, la voz de "Me faltas Tú" o "Mujer Latina" no quiso hacer comparaciones y señaló que sus trabajos "siempre fueron controversiales, cada uno en su estilo".
"Cada uno en el momento de la sociedad en el que salió rompía barreras", resaltó la oriunda de Ciudad de México.
En el ámbito personal, Thalía, a quien hace poco más de 8 años le detectaron la enfermedad de Lyme, compartió hace unas semanas con sus seguidores de Instagram que había sufrido una pequeña recaída, aunque manifestó estar "estable y bien".
Consciente de la importancia de esta enfermedad, encuentra cualquier "excusa" para hablar de ella y sensibilizar así a la gente.
La Conferencia Billboard de la Música Latina inicia este lunes su vigésimo séptima edición en Miami Beach (EE.UU.), donde analizará el aumento de la presencia de la música latinoamericana en medios como la televisión, el cine o la publicidad.
El foro, de tres días de duración, contará con la presencia de artistas como el salsero de origen puertorriqueño Marc Anthony, el mexicano Marco Antonio Solís o el estadounidense Nicky Jam, quienes compartirán sus experiencias y opiniones en relación al presente y futuro de la música latina.
Bajo la premisa de que cada vez más producciones muestran su interés por la música latina, durante las ponencias del foro se intentará dar respuesta a la pregunta sobre quién impulsa este proceso, y se discutirá además sobre la emergente relación entre marcas y artistas.
En la jornada inaugural hablarán la directora de Spotify en América Latina, Mia Nygren, o el director de programación de música latina de SiriusXM radio, Bryant Pino.
Además se celebrará la séptima edición del espacio "Más y más música", un espectáculo donde se darán cita el reguetonero puertorriqueño Ken-Y y la dominicana Natti Natasha.
Dentro del programa de esta edición destaca el "mano a mano" de dos de los reguetoneros más importantes del panorama musical, los boricuas Don Omar y Daddy Yankee, quienes el 6 de mayo retoman su gira conjunta "The Kingdom".
Además habrá sesiones que contarán con la presencia de Nicky Jam y Marc Anthony, así como el "Divas Panel", con la veterana artista puertorriqueña Ednita Nazario, la estadounidense Paty Cantú, la colombiana Fanny Lu, la neoyorquina de origen dominicano Jackie Cruz y Natti Natasha.
Otro de los temas que se abordarán será el papel que juegan plataformas como Spotify o YouNow a la hora de definir el tipo de música que escucha el público en la actualidad, así como su importancia para descubrir nuevos artistas.
La conferencia se cerrará con la gala de entrega de los Premios Billboard de la Música Latina, que tendrá lugar en el Bank United de Miami el próximo jueves.
El músico estadounidense Prince estuvo trabajando 154 horas seguidas sin dormir antes de morir el pasado jueves en su residencia de Chanhassen (Minesota), según reveló este lunes el tabloide británico Daily Mirror.
El diario recoge unas declaraciones de Maurice Phillips, cuñado del autor de "Purple Rain", en las que asegura que Prince había estado despierto durante más de seis días y medio antes de que su cuerpo fuera encontrado en un ascensor.
"Estuve con él justo el último fin de semana. Trabajó 154 horas seguidas", señaló el marido de Tyka Nelson, hermana del músico.
El tabloide apunta además que Prince podría haber estado tomando altas dosis del analgésico Percocet, "lo que se cree que podría haberle provocado una sobredosis a bordo de su jet privado", cinco días antes de su muerte.
"En casos extremos, los usuarios de este medicamento que requiere prescripción médica dicen que les mantiene despiertos, en especial cuando se mezcla con otros medicamentos", afirma el diario británico.
Según esa misma fuente, las autoridades podrían haber descubierto "diversos medicamentos con receta" en la residencia de Prince.
El domingo se incineraron en una ceremonia privada los restos mortales del cantante, cuya autopsia se completó el viernes.
La policía estadounidense ha advertido de que determinar la causa de la muerte llevará "varios días" y los resultados de las pruebas toxicológicas podrían demorarse "durante semanas".
Las autoridades responsables de la investigación han adelantado que no tienen motivos para creer que la muerte a los 57 años del músico fuera un suicidio.
Los restos mortales del legendario cantante Prince, que murió este jueves a los 57 años en su residencia de Chanhassen (Mineápolis, EEUU), fueron este domingo incinerados en una ceremonia privada, informó su publicista Yvette Noel-Schure.
Un pequeño grupo de sus "más queridos" familiares, amigos y músicos participaron en una "ceremonia privada y hermosa" para darle el último adiós al artista estadounidense, precisó la publicista en un comunicado.
Noel-Schure agregó que el acto del "depósito final" de las cenizas será también un evento que tendrá lugar en la más estricta intimidad, al que seguirá en fechas próximas una "celebración musical de su vida".
"Pedimos vuestras bendiciones y oraciones de alivio para su familia y amigos íntimos en este momento", añadió la misma fuente.
La noticia de la incineración se divulgó un día después de que se practicara la autopsia al cuerpo de Prince en el centro "Midwest Medical Examiners Office" de Ramsey (Minesota).
Esa institución advirtió de que determinar la causa de la muerte del artista, figura indiscutible del pop y renovador de la música negra, llevará "varios días" y las pruebas de toxicología pueden alargarse "durante semanas".
En una rueda de prensa celebrada este viernes en Chaska (Minesota), las autoridades responsables de la investigación dijeron que no ven "razones para creer, en este momento, que se trató de un suicidio".
Según reveló también el viernes el portal TMZ, especializado en noticias de famosos y el primer medio en informar sobre su fallecimiento, Prince fue hospitalizado por una sobredosis de Percocet (un fármaco compuesto por acetaminofeno y oxicodona) seis días antes de su muerte.
Esa supuesta sobredosis llevó al músico a ser ingresado en un hospital del estado de Illinois el pasado día 15, cuando el avión privado del artista tuvo que realizar un aterrizaje de emergencia en la localidad de Moline.
Esa situación se produjo horas después de que Prince diera un concierto en Atlanta y, entonces, fuentes de su entorno indicaron que sufría un episodio de gripe, por lo que también tuvo que cancelar dos conciertos de su gira "Piano and a Microphone".
Según TMZ, los médicos le administraron una "inyección salvadora", suministrada habitualmente para contrarrestar los efectos de los opiáceos.
De acuerdo con el portal, los médicos aconsejaron permanecer en el hospital durante 24 horas a Prince, pero los representantes del artista pidieron una habitación privada para él y, como no había ninguna disponible en ese momento, decidieron marcharse.
Así, el cantante salió del hospital tres horas después de su llegada y volvió a su residencia de la localidad de Chanhassen.
Según TMZ, Prince usaba analgésicos para tratar unos problemas en las caderas.
Sus legiones de seguidores siguen consternados por la repentina muerte de Prince y los homenajes se suceden sin parar ante su residencia en Paisley Park, el complejo donde vivía, tenía su propio estudio de grabación y albergaba imponentes fiestas y conciertos.
Considerado uno de los músicos más innovadores de su era, Prince contaba con éxitos mundiales como "Little Red Corvette", "Let's Go Crazy" y "When Doves Cry".
El artista irrumpió en la escena musical a finales de la década de 1970 y alcanzó el éxito en la década posterior gracias a álbumes eternos como "Purple Rain" y "Sign o' the Times".
Prince no introdujo la sexualidad en la música, pero su juguetón carácter explícito y su manera de borrar los límites entre géneros sexuales llevaron este punto a otro nivel.
Sus canciones estaban tan llenas de sensualidad que un artículo satírico del periódico The Onion que circuló el jueves tras su muerte tenía algo de verdad: Los estadounidenses estaban demasiado tristes como para rendirle homenaje en la forma que él hubiera querido, sosteniendo relaciones sexuales llenos de entusiasmo.
Simplemente al ver su tercer álbum de 1980 se podía notar que alguien muy diferente había llegado al mundo de la música. Titulado "Dirty Mind" ("Mente sucia"), la portada lo mostraba con una tanga negra. En el interior, en canciones como "Head", "Sister" y "Do it All Night", cantaba sobre el incesto, el sexo oral con una futura esposa y muchas cosas más.
Si Prince estaba expresándose sobre lo que estaba en su mente, tenía 21 años cuando escribió esas melodías.
Durante una entrevista con la revista Musician en 1983, el músico habló de que creció demasiado rápido y que vivió en el sótano de la casa de un amigo cuando tenía 16 años. Él tenía demasiada libertad, pero aún era joven; sobre lo que escribía era fantasía.
"Cuando comencé a escribir, dejé de tener relaciones con mujeres", dijo.
Su éxito de dos años después, "Little Red Corvette", era una larga metáfora cargada de referencias sexuales. "1999" fue otro álbum súper cargado. No es difícil imaginar qué es lo que hace que esté "Delirious" (Delirante). Y él no sugirió "Let's Pretend We're Married" ("Pretendamos que estamos casados") para realizar largos paseos en la playa.
Para el momento en que apareció "Purple Rain" el mundo ya sabía quién era Prince. Él había escrito más canciones explícitas aparte de "Darling Nikki", pero en esta ocasión Tipper Gore, una madre que residía en Washington, compró el álbum para su hija de 11 años y quedó impactada al escuchar una canción sobre una aventura de una sola noche con una mujer que el músico conoció mientras ella se estaba masturbando en el vestíbulo de un hotel.
"No pude creer lo que estaba escuchando", dijo Gore, quien formó el Parents Music Resource Center (Centro de Recursos Musicales de Padres) y lanzó un esfuerzo que llevó a la colocación de etiquetas de advertencia en los álbumes.
"Las letras vulgares nos avergonzaron a ambas. Al principio quedé impactada, luego me enojé", afirmó.
El Prince que conocimos a través de su música veneraba a las mujeres hasta el punto de la obsesión. Dos de sus portadas de álbum mostraban símbolos fálicos, uno como una flor cerca de una fotografía de un Prince desnudo colocada estratégicamente. No obstante Prince no tenía miedo de estar en contacto con su lado femenino a través de su colorida forma de vestir y en una canción como "If I Was Your Girlfriend" jugó con los roles de género.
Telegrafió ambigüedad en su canción "Controversy" de 1981, donde el narrador pregunta: "¿Soy negro o blanco, soy heterosexual u homosexual?".
Prince se apegaba al misterio, dijo Alan Light, autor del libro "Let's Go Crazy: Prince and the Making of Purple Rain". Él no otorgó entrevistas cuando llegó a la cima de las listas de popularidad a mediados de la década de 1980 y fue la persona más famosa de la que la gente casi no sabía nada.
"Él sabía muy bien qué era lo que obtendría atención y qué sería notado", dijo Light. "Y si él podía ser notado mientras añadía al misterio y las preguntas y las conjeturas, eso era una estrategia ganadora completa".
Cantantes de música soul como Al Green y Marvin Gaye estuvieron torturados por la relación entre el sexo y Dios, dijo. Prince adoptó la espiritualidad y la sensualidad en igual medida, no viéndolas como incompatibles. En "Adore", él cantó sobre escuchar ángeles divinos mientras sostenía relaciones sexuales.
Para una generación que creció con Prince, su música fue como encontrar un libro prohibido colocado atrás de la repisa. En un ensayo de 2015 para Buzzfeed, Nichole Perkins escribió sobre cómo ella valoraba que muchas mujeres en las canciones de Prince amaban el sexo y eran más experimentadas que sus parejas.
"Yo esperaba que mis novios me permitieran llevar la iniciativa en ocasiones y expresar necesidad sin sentir vergüenza por ello", escribió. "Mi desilusión fue frecuente, así que regresaba a la música de Prince para soñar despierta".
El cantante Frank Ocean, quien es homosexual, dijo el jueves en las redes sociales que él valoraba algo más que la música de Prince.
"Él fue un hombre negro heterosexual que realizó su primera aparición en televisión con calzón de bikini y botas de tacón altas", agregó Ocean. "Épico. Me hizo sentir más cómodo respecto a la manera en que identifico mi sexualidad simplemente por su despliegue de libertad".
A medida que Prince aumentaba en edad y se convirtió en un Testigo de Jehová, sus días en "Erotic City" prácticamente quedaron atrás.
No obstante, al escuchar "Breakfast Can Wait", de 2015, donde el narrador y su amante optan por pasar la mañana en la cama, sin dormir, uno recuerda los días en que Prince tenía en mente una cosa muy específica.
Luego de que en días pasados se difundiera un video en que se le veía a Maluma siendo arrestado por dos policías, es el cantante quién aclaró lo que había sucedido, pero lo hizo de esta manera, con el estreno de su más reciente video musical “El Perdedor”.
Y es que, todo ese alboroto, sólo se trataba de las imágenes de su proyecto musical, aunque con el objetivo de mostrar el racismo que sufren los latinos en EEUU.
“Aquí están mis declaraciones de aquella “situación preocupante”, un video musical que muestra el racismo que pasan muchos latinos en los Estados Unidos y que demuestra una vez más por qué debemos unirnos ahora mucho más que nunca. Espero les guste y está hecho de mucho AMOR”, describió el cantante a lado de una imagen en su cuenta de Instagram.
En el material se observa el rostro del sorpresa del pequeño ante la magnitud del concierto y cómo se va desinhibiendo al grado de llegar hasta las lágrimas.
En la conferencia previa a su primer concierto en el Foro Sol, el cantante Chris Martin declaró que Coldplay intenta mostrar un mensaje positivo ante un "mundo lleno de cosas negativas". Queda claro en el optimismo de sus letras y los colores que caracterizan sus conciertos alrededor del mundo. Y la intención de hacer partícipe al público en la celebración del "A Head Full of Dreams Tour" parece haber rendido frutos. Así lo demuestra el video que un padre mexicano subió a YouTube, en el que documenta lo conmovedor que resultó el show para su pequeño hijo con autismo.
Durante un concierto en México de la banda Coldplay, un padre llevó a su niño autista porque se trataba de su banda favorita. El vídeo es conmovedor.
En el material se observa el rostro del sorpresa del pequeño ante la magnitud del concierto y cómo se va desinhibiendo al grado de llegar hasta las lágrimas y los brincos al ritmo de los éxitos de los británicos.
"Algo que mi esposa y yo decidimos ahora sí compartir al mundo entero. ¡Tienen que verlo! ¡Lo dice todo! ¡Chicos, Coldplay, por favor, deben ver esto!", se puede leer en la información del video.
Hasta el momento 1,563,010 han visto el video.
Y, ¿saben qué? Coldplay también lo vio, y hasta enviaron palabras en español al padre y al niño.
This kind of thing makes it all worthwhile https://www.youtube.com/watch?v=N4tcMTEABsk …; Hola Luis y tu hijo hermoso! love cgwj&p 7:19 PM - 22 Apr 2016
"Creo que el básquet fue realmente su primer amor", afirmó Al Nuness, quien fue su entrenador en la secundaria Central de Minneapolis.
El jueves, cuando comenzaron a surgir las noticias sobre el deceso de uno de los cantautores pop más influyentes de la era moderna, Nuness se enteró mediante una llamada telefónica de su esposa. Y su mente viajó de inmediato a 1973, el año en que Prince y sus precoces amigos de noveno grado fueron ascendidos por el entrenador al equipo de categoría intermedia en la institución.
"Él era muy bajito", recordó Nuness. "Pero era veloz. Podía manejar bien el balón, penetrar en la defensiva y hacer pases".
Prince Rogers Nelson y su medio hermano Duane Nelson tenían un gran amigo, Paul Mitchell.
El trío inseparable, desde la época en que asistía a la cercana escuela Bryant Junior High, quería jugar basquetbol con tanto afán que solía colarse al gimnasio de Central, junto con su perro y sus bicicletas, para participar en algunas prácticas después de las horas de aula. Nuness debió echarlos varias veces, según recordó el jueves, en una entrevista telefónica con The Associated Press.
Pero Prince no le causó muchos problemas a Nuness.
Su generación, que se graduó en 1976, contó de hecho con uno de los mejores equipos en la historia del estado. Central, que cerró sus puestas poco después, finalizó la campaña con una foja de 25-1 y envió a varios jugadores a los programas universitarios de la División I de la NCAA.
La carrera deportiva de Prince terminó después de su temporada de segundo año. El basquetbol pasó a segundo plano respecto de la guitarra y el micrófono. Pero el artista siguió comunicándose ocasionalmente con Nuness, mientras cobraba fama y se transformaba en una celebridad ermitaña.
Cuando era ya una estrella, Prince apoyó a algunos equipos de la liga estatal universitaria AAU, dijo Nuness.
"Era un gran joven", recordó Nuness. "Hizo muchas cosas caritativas que la gente desconoce, porque él no quería que la gente se enterara de lo que hacía".
A continuación, algunos otros vínculos entre el deporte y el astro que falleció a los 57 años.
El Super Bowl
El gran partido de la NFL se disputó hace nueve años en Miami bajo condiciones meteorológicas adversas. A la mitad de ese Super Bowl, cuando Chicago e Indianápolis pudieron guarecerse durante un rato de la lluvia y el viento, Prince ofreció uno de los mejores espectáculos que se recuerden en estos partidos.
Ajeno a las condiciones sobre un escenario resbaloso, Prince, vestido con un saco azul y una camisa anaranjada, derrochó profesionalismo y mostró su talento con la guitarra.
Bruce Rodgers, quien fue director del espectáculo del Super Bowl en aquel año, recordó la experiencia en un video difundido por NFL.com. Dijo que un colega habló con Prince por la mañana y le advirtió que llovería.
"Prince reaccionó como diciendo, '¿pueden hacer que llueva más fuerte?''', dijo Rodgers.
Morado y oro
Cuando los Vikings de su ciudad natal llegaron a los playoffs de la NFL tras la campaña de 2009, Prince atestiguó la victoria sobre Dallas en el Metrodome. Con ese triunfo, los Vikings avanzaron a la final de la Conferencia Nacional, y Prince les escribió una canción, llamada "Purple and Gold", cuyo título emulaba el mayor éxito del cantante, "Purple Rain", y hacía alusión a los colores del equipo, morado y oro.
El tema era una combinación entre un himno colegial, una canción de los Beatles y una melodía de la década de 1980 con sintetizador. "Somos la verdad si la verdad se puede contar, el morado y el oro por mucho habrán de reinar", decía una parte de la letra.
"Prince fue increíblemente representativo de Minnesota, y ayudó a poner en el mapa a Minneapolis y a St. Paul. Fue un artista brillante y una mejor persona", destacaron los Vikings en un comunicado. "Siempre estaremos orgullosos y agradecidos por el hecho de que se haya considerado un seguidor de los Vikings".
"Let's Go Crazy!"
Cada vez que los Mellizos de Minnesota conectan un jonrón, se escucha en los altavoces del parque el éxito de Prince "Let's Go Crazy". Los peloteros adoptaron "Little Red Corvette" como una canción emblemática la campaña anterior. Los fanáticos con suficiente edad para recordar las primeras melodías de Prince comenzaron a enseñar las letras a los más jóvenes que asistían al graderío.
"Uno de mis favoritos se ha ido. Esto duele", dijo el jardinero Torii Hunter, recientemente retirado, mediante la red social Instagram.
Tras la victoria del jueves, por 8-1 en Milwaukee, el primera base Joe Mauer indicó, "es una noticia triste. Todos los habitantes de Minnesota se enorgullecen de Prince, seguro".
Ovacionado en Oakland
Prince fue aclamado el 3 de marzo, cuando asistió al Oracle Arena para presenciar el partido entre el Thunder de Oklahoma City y los Warriors de Golden State. Estaba en la ciudad para ofrecer un concierto en el mismo inmueble, la noche siguiente.
El alero de los Warriors, Draymond Green, asistió al espectáculo.
"RIP Prince. Tuve el placer de verte en un concierto el mes pasado en Oakland", tuiteó Green. "Uno de los mejores espectáculos que he visto. Descansa en paz, leyenda. ¡Guau!"
La escritora y cantante dominicana Rita Indiana (Santo Domingo, 1977) dijo en una entrevista con Efe en Lima que su literatura es "una bomba de los temas urgentes que debe tratar el Caribe", como la prostitución o la situación de los colectivos LGTB.
Indiana es la única mujer entre los cinco finalistas de la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa, cuyo ganador se dará a conocer hoy, con "La mucama de Ominculé ", una historia que transcurre en el año 2024 en medio de las tradiciones y la santería afrocaribeña con un trasfondo "queer" (relacionado con la temática homosexual).
"Vengo de un país que exporta prostitutas y donde el turismo sexual es muy grave y es imposible escribir sin que eso se filtre porque es una realidad que ves a diario", relató.
Autora de cuatro novelas, entre las que destacan "Papi" (2011), y dos libros de cuentos, Indiana explicó que en su literatura también trata "el tema de la sirvienta", porque en su país "hay gente que vive en condiciones de esclavitud, no solo como servidumbre sino también en los cañaverales".
"Yo me crié viendo como estas mujeres ganaban sueldos que no les daban para vivir, además de eso vivían en las casas (de sus jefes) por sueldos ridículos sin seguridad social", lamentó.
Los dos primeros capítulos de su última novela tratan "la cuestión" de la mucama y después, su protagonista, Alcide Figueroa, "viaja en el tiempo y se convierte en muchas otras cosas", incluido un cambio de sexo.
Este cambio viene influido en parte por el comediante estadounidense Louis CK "porque los únicos que pueden viajar hacia atrás en el tiempo son los hombres blancos; si yo viajara 200 años atrás siendo lo que soy, estaría en problemas", subrayó Indiana.
La escritora confesó que tuvo "un susto muy grande" al verse entre los finalistas del premio Vargas Llosa "porque no sabía que la editorial había enviado" su novela.
También señaló que "es una gran sorpresa" y "una anomalía" ser "la única mujer y encima gay que está dentro de los finalistas incluyendo la Bienal anterior".
"La industria literaria actual es de hombres blancos heterosexuales, así que estoy muy feliz por muchas razones", destacó sobre su presencia en esta selección.
Para Indiana, Mario Vargas Llosa no solo ha sido "una gran influencia" a la hora de escribir, sino como "hombre de ideas, de pensamiento y que siempre ha estado defendiendo las libertades del ser humano".
La escritora dijo que uno de los textos "fundamentales" del peruano en su vida "y que se puede decir que forma parte de la literatura queer, relacionada con la homosexualidad" ha sido "Los cachorros" (1967).
Indiana lamentó, además, que sus libros "no sean muy difundidos ahora" en República Dominicana porque aseguró que la "consideran una traidora por defender a los descendientes de haitianos".
La autora relacionó esa actitud con su rechazo a una decisión del Tribunal Constitucional dominicano, que resolvió en septiembre de 2013 que las personas nacidas en el país de progenitores extranjeros indocumentados desde 1929 no tenían derecho a la nacionalidad dominicana.
El libro de Indiana compite en la Bienal de Novela Vargas Llosa con "Adiós a los padres", del mexicano Héctor Aguilar Camín; "La distancia que nos separa", del peruano Renato Cisneros; "La forma de las ruinas", del colombiano Juan Gabriel Vásquez; y "Si te vieras con mis ojos", del chileno Carlos Franz.
El ganador del premio, dotado con 100.000 dólares, será anunciado hoy, durante la clausura de la Bienal, que desde el lunes ha alojado coloquios y mesas redondas en nueve sedes de universidades de Lima y ha contado con la participación de más de treinta personalidades iberoamericanas de la literatura.
Jaime Bayly ha sido y es, cumplidos los 51, un "niño terrible", un hombre feliz, un escritor que duda "todo el tiempo" de su valía, un "pinga loca" que no ha sabido "gobernar" su entrepierna, esa "república independiente que tiene sus propias leyes". Y "sí", la causa de muchos de sus problemas.
Para problemas, los que cuenta, sin pelos en la lengua, sin pudor, como es habitual en todo cuanto dice y escribe, en su nueva novela, "El niño terrible y la escritora maldita" (Ediciones B), un libro que, reconoce en una entrevista con Efe, es un ajuste de cuentas y, "claro que sí", una venganza.
Bayly, que se reconoce como su "mejor y principal" personaje, algo que le preocupa -"me encantaría tener la inventiva y la ambición de poder escribir una gran novela que no comience ni termine en mí"-, ha escrito este libro para contar lo vivido en estos últimos años, desde que conoció a la que es su segunda esposa, Silvia Núñez del Arco, la "escritora maldita", Lucía en la ficción-realidad del libro, y madre de su tercera hija, Zoe.
Una "lolita", cuando la conoció, veintitrés años más joven que él, que le enamoró locamente entonces y de la que hoy sigue enamorado locamente. "Es bella, loca, maldita, no le tiene miedo a nada", escribe Bayly, que sueña con llegar a "viejito" junto a ella.
"Dicen que uno tiene la edad de la persona a la que ama. Algo de eso hay", asegura, si bien no oculta su temor "a no estar a la altura, no solamente en la cama". "El principal temor que yo he tenido, y sigo teniendo, pero ella lo conoce, ella me conoció así, es que de pronto, un buen día, me ocurra que conozco a un hombre y me enamore de él. Y esto sería....".
Su madre, atribuyó ese flechazo con una mujer "al poder de sus plegarias. Está encantada. ¡Lo que la he hecho sufrir todo este tiempo! en el que yo decía sino gay, sí soy predominantemente gay. Ella, que es del Opus Dei, me decía que estaba confundido", relata, con guasa, el bisexual Bayly.
Conocer a Silvia cambió su vida, para bien y para mal. Dejó a su novio argentino, con el que llevaba ocho años, discutió con su ex mujer, tuvo que leer y escuchar muchas críticas y reproches, y lo peor, sus dos hijas de su primer matrimonio dejaron de hablarle, no han querido saber nada de él hasta hace bien poco. Una "tremenda pelea" que le dejó, destaca, "muy malherido".
"El libro es un ajuste de cuentas, sí", con su familia, con su ex novio, con su ex mujer, con su país, Perú, con..."Es mi versión de la historia", recalca Bayly, quien a lo largo de la entrevista cita una y otra vez a su paisano Mario Vargas Llosa. "Me ha pasado lo mismo que a él con Isabel Preysler. A él con 80 años y a mí con unos cuantos menos".
Otra diferencia con el nobel: "Él, lo suyo, sale en el 'Hola'. Lo mío no, aunque me encantaría, la verdad", bromea.
Al margen de vendettas, el libro es un autorretrato de su autor. "Hasta ahora -continúa- no he sido capaz de dejar de mirarme el ombligo".
Un autorretrato en el que se reconoce, sí, pero no se gusta. "Me afea bastante", comenta con sinceridad. "No me interesan -asegura- los autorretratos que te embellecen. Me gustan los que ponen el énfasis en lo feo, lo humano y, al mismo tiempo, lo grotesco".
Habrá quien piense que se ha pasado de pincelada, ya que el autorretratado se presenta como un ser humano que "siempre habla de más", irreverente, burlón, vanidoso, aficionado a sustancias y pastillas, "con un talento natural para hacer llorar a la gente" que más quiere.
Un dandi, un niño bien que se hizo "terrible", que asegura haber renunciado "a ser un hombre de éxito".
Estrella de la televisión hispana en Miami, donde vive y trabaja desde hace años, Bayly reniega de la política, aunque le interesa, y mucho. Y recuerda como un mal sueño la tentación frustrada que tuvo de convertirse en candidato presidencial en su país.
Y no oculta que en la segunda vuelta de las presidenciales peruanas, el próximo 5 de junio, volverá a votar a Keiko Fujimori, aunque no se atreve a hacer un pronóstico.
El dúo venezolano Chino y Nacho estrenó hoy el video de su actual tema en promoción, “Andas en mi cabeza”, con la participación de Daddy Yankee.
La historia detrás del “videoclip” se basa en las propuestas de matrimonio de varios chicos a sus parejas alrededor del mundo cada una más original que la anterior. que le alegrarán el corazón a quien lo vea. Fue filmado en Venezuela y Miami.
“Andas en mi cabeza” fue compuesta primordialmente por Nacho y Daddy Yankee. El tema es una composición original de Nacho, que llegó a oídos de Yankee. Se trata de una colaboración que se viene gestando desde el inicio de la amistad entre los artistas hace cuatro años.
El cantante puertorriqueño Farruko cree en el poder social del género urbano del reguetón, al que ve como un "espejo de la sociedad" actual.
"El reguetón, a pesar de todo lo que lo critica, es el único género sincero y que le muestra al público la realidad y la crudeza de lo que sucede en el día a día", dijo este jueves en entrevista a Efe.
El artista, quien dice cantarle a lo que se vive en la calle, afirmó que ya todo está expuesto en la televisión y la realidad no se puede tapar con un velo, viviendo en una "nube de fantasía".
"Quien quiera estar en una nube de fantasía que vaya a Disney World", sostuvo el reguetonero, quien cree que este género urbano no tiene un límite de edad, pero sí de conciencia y capacidad.
Bajo la premisa de "para gustos los colores", el boricua aseguró que seguirá haciendo reguetón, puesto que nació con él, aunque no descartó la idea de hacer fusiones con otros géneros que "llamen la atención del público".
Cuando se le preguntó sobre el papel del reguetón dentro de la música latina en general, el oriundo de Bayamón no quiso parecer "arrogante", pero sí afirmó que "en estos momentos es el género que más popularidad tiene y el que comanda en la juventud".
El cantante, nominado a dos Grammy Latinos en 2014 por el tema "6AM", junto a J Balvin, consideró que en la actualidad este género urbano está viviendo una "unión", en donde existe una importante colaboración entre artistas que unen sus voces.
"Esto es superpositivo porque no se ve mucho en otros géneros", expuso el también productor, quien ya ha colaborado con artistas como Sean Paul, Nicky Jam o Shaggy.
Farruko, quien cuenta con 3 nominaciones para los Premios Billboard que se celebran el próximo 28 de abril en Miami (Florida, EE.UU.) compartió que le emociona más su actuación en la gala, en la que este año dará una "sorpresa", que los premios en sí.
"Me emociona mucho la presentación, porque es un cúmulo de nervios y adrenalina, eso es lo que más me disfruto de los premios", concluyó.
En sus 106 producciones discográficas, El Caballo Mayor, Johnny Ventura, ha demostrado que donde pone el ojo, pone la bala y así se manifiesta en su más reciente sencillo titulado “La Bala” donde se acompaña nada más y nada menos que del Caballero de la Salsa, Gilberto Santa Rosa.
“La Bala”, compuesto por el cantautor cubano Tony Ávila, es el primer sencillo promocional del álbum “Tronco Viejo”, disponible ya mundialmente en todas las tiendas digitales bajo el sello de Juan y Nelson Entertainment.
Para Johnny Ventura la idea de hacer un dúo al lado del “Caballero de la Salsa” siempre fue uno de sus anhelos, el cual Dios le permitió lograr, y a Gilberto Santa Rosa la invitación de realizar el proyecto fue un honor por estar al lado de uno de las grandes leyendas de la música.
El vídeo musical fue grabado en uno de los clubes más reconocidos de la ciudad de Miami y muestra la historia de una hermosa mujer que cautiva a los asistentes del lugar con su sensualidad y manera de bailar, mientras que sus protagonistas Johnny y Gilberto se disfrutan la interpretación de esta salsa en el escenario.
El director del vídeo fue Gustavo Camacho (Gus) quien ha estado a cargo de videos para importantes artistas del género tropical, además contó con el director de fotografía, el mexicano Nico Aguilar, ganador del premio a los nuevos talentos de ASC (American Society of Cinematographers).
El album "Tronco Viejo" fue grabado en Cuba con artistas invitados de fama internacional además de Gilberto Santa Rosa cuenta con; Omara Portuondo, Tony Avila, Edesio Alejandro y Silvio Rodríguez. Esta producción incluye una variedad de ritmos tropicales como; Salsa, Son, Guarachas y Boleros.
Para mayor información de Johnny Ventura ir a www.facebook.com/johnnyventuraoficial www.twitter.com/johnnyventura1 Instagram @johnnyventuraoficial www.youtube.com/johnnyventuramusic
Adele se ha convertido en la cantante británica más rica de la historia, con una fortuna estimada en 85 millones de libras (121 millones de dólares), según un ránking publicado hoy por el diario The Sunday Times.
La autora de "Hello" ha sumado 35 millones de libras (50.1 millones de dólares) respecto a la lista del año pasado, lo que la coloca en el puesto número 30 entre las estrellas del pop y el rock del Reino Unido e Irlanda con las cuentas corrientes más abultadas.
"No hay mujer que esté incrementando tanto sus ganancias como Adele. Está superando incluso a jóvenes intérpretes masculinos", señaló Ian Coxon, que ha editado la lista en las dos últimas décadas.
Tan solo tres mujeres aparecen en los primeros cincuenta puestos de ese ránking, que encabeza Paul McCartney, que acumula una fortuna conjunta con su esposa, Nancy Shevell, valorada en 760 millones de libras (1.089 millones de dólares).
Los Rolling Stones -Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood- poseen una fortuna combinada de 630 millones de libras (903 millones de dólares) y están por delante de los irlandeses U2, en tercera posición con 500 millones de libras (717 millones de dólares).
El cuarto en el ránking es Elton John, que posee 280 millones de libras (401 millones de dólares) y que, según publicó The Sunday Times esta semana, el pasado año dedicó 26,8 millones de libras (38,4 millones de dólares) a obras benéficas, en particular a sus fundaciones para luchar contra el sida.
El ránking del diario británico incluye asimismo a la viuda del exbeatle George Harrison, Olivia, y su hijo Dhani, con una fortuna familiar de 220 millones de libras (315 millones de dólares), así como a la viuda de David Bowie, Iman Abdulmajid, y el hijo del cantante Duncan Jones, que poseen 90 millones de libras (129).
La Junta Municipal de la intendencia de Asunción declaró este miércoles al músico español Alejandro Sanz visitante ilustre de la capital paraguaya por su público posicionamiento contra la violencia a las mujeres, informó a Efe una portavoz municipal.
La resolución fue aprobada una semana después de que varios concejales propusieran conceder ese tratamiento a Sanz en reconocimiento por su actitud durante un concierto en México el pasado febrero, cuando se bajó del escenario para salir en defensa de una mujer que estaba siendo acosada por un hombre.
La portavoz señaló que se está organizando una ceremonia para el próximo 24 de abril, día en el que Sanz actuará en Asunción, para entregarle personalmente ese reconocimiento.
Sanz tiene previsto actuar en el Manuel Ferreira, el estadio del club de fútbol Olimpia
Los concejales Rodrigo Buongermini y Federico Franco Troche, los artífices de la iniciativa, recordaron la semana pasada que al menos el 20 % de las paraguayas, equivalente a unas 300.000 mujeres, sufrió algún tipo de violencia.
El juez de Ejecución de la Pena de Santiago Rubén Darío Cruz Uceta aplazó hasta el próximo 4 de mayo el conocimiento de solicitud realizada por la cantante Martha Heredia para que se le aplique el programa "Medio Libre", que le permitiría pasar en su domicilio parte de la condena que cumple por narcotráfico.
La que fuera ganadora de la versión latina del "reality" internacional American Idol fue condenada a siete años de prisión por tratar de transportar heroína a Estados Unidos, delito del que se declaró culpable.
La detención de Heredia fue en el año 2013, cuando las autoridades del Aeropuerto Internacional del Cibao hallaron 1,290 gramos de heroína oculta en los tacones de sus zapatos.
La artista cumple condena en el Centro de Corrección y Rehabilitación (CCR) de Rafey Mujeres.
Nacido el 3 de junio de 1937, en Ponce, Ismael Quintana se convirtió en el primer miembro de su familia que optó por desempenarse en una rama del arte. Hijo de padres humildes y trabajadores -su progenitor fue marino mercante y su madre costurera-, su principal atracción de nino fue el deporte, en particular el béisbol.
"Yo nací en Ponce, Puerto Rico, el día 3 de junio de 1937. Yo no tuve juventud en Puerto Rico; a los diez días de haber nacido, me transportaron a Nueva York. Así que yo nunca he vivido en Puerto Rico. Sí he ido muchas veces a visitar mi familia; tengo una hermana allá. Todos son de acá, de Nueva York; ellas todas nacieron acá en los Estados Unidos. Pero yo nací en Puerto Rico, por lo cual tengo un gran orgullo. Lo que pasó fue que mi mamá fue a pasar unas vacaciones allá, y estaba en cinta de mí. Y, cuando fue a tomar el transporte - el vapor o barco, en ese tiempo - , le dijeron: "Senora, usted no puede montarse en este barco en la condición en que está". Entonces, ella tuvo que esperar que yo naciera, y, diez días después de yo haber nacido, se regresó a la ciudad de Nueva York. " - comenta.
En su adolescencia, Ismael Quintana, que creció en el número 660 de Eagle Avenue, en el barrio del Bronx, comenzó a familiarizarse con el trabajo musical que desarrollaban Tito Puente, Tito Rodríguez y Frank "Machito" Grillo, considerados como la dinastía caribena de Nueva York en la década de 1950. Las interpretaciones de estas grandes agrupaciones elevaron su interés por las sonoridades rítmicas del pentagrama antillano, creciendo su devoción por las guarachas, el mambo, los cha cha chas y el son. También fue un fiel fanático del trabajo que desempenaba Ismael Rivera con la orquesta de Rafael Cortijo.
En su adolesencia, cada vez que asistía a alguna fiesta gozaba de bailar y corear las canciones de moda. "Cuando bailaba con las muchachas les cantaba las canciones. Era algo espontáneo", comenta. Percibiendo su afición por la canción, su madre lo indujo a tomar clases formales de canto en inglés. Allí aprendió las claves de la entonación que luego le sirvieron para su desempeno como artista. Cuenta que solía acudir a las noches de El Palladium junto a su hermana mayor Elba y que mientras las orquestas tocaban se paraba frente a la tarima a contemplar las ejecutorias de aquellos grandes músicos.
"En aquel tiempo me quedaba bobo mirando a las orquestas. Ésa es la época más linda que puedo recordar y dudo que habrá otra como ésa. Eso sí, en ese momento jamás me pasó por la cabeza que iba a estar algún día en esa posición y que llegaría a ser cantante", sostiene. Entretanto, Ismael Quintana seguía cultivando su pasión musical junto a sus amigos. Narra que solían reunirse todas las tardes en las calles de su vecindario a tocar encima de los bonetes de los carros al tiempo que tarareaban las melodías más sonadas en la radio.
De esa manera fue ganando adeptos como percusionista, porque era, de entre los muchachos de su edad, quien mejor golpeaba las simuladas tumbadoras. Así, una vez se graduó de cuarto ano de la escuela superior Samuel Gompers, en 1955, recibió su primera invitación para integrar un conjunto musical.
"Todos mis amigos estaban en la banda de la escuela, mientras a mí lo que me gustaba era jugar béisbol. Como ellos eran músicos quisieron formar un grupo y me llamaron porque necesitaban un bongosero. Me preguntaron si tenía un bongó y les dije que sí porque me gustó la idea. La verdad es que no tenía nada y fui corriendo donde mi mamá y le pedí que me lo comprara", recuerda el salsero. La iniciativa de armar la orquesta fue de uno de sus amigos apodado Baley, quien consiguió la oportunidad de presentarse en un baile en el hotel Belvedere de Nueva York. Hasta ese momento, los temas que habían ensayado eran instrumentales, puesto que no contaban con un cantante.
"La orquesta era grandísima pero no teníamos a nadie que cantara. No sé que sucedió un día que me dio con soltar el bongó y fui al micrófono. Estábamos tocando el bolero 'Cómo fue' y lo canté. A los muchachos le gusto y me dijeron que a partir de ese momento iba a ser el cantante oficial del grupo. Fue una cosa instantánea", manifiesta.
Meses después fue convocado para participar de la orquesta de Ángel Náter, donde derivó manas y astucias en el arte interpretativo. Con esta agrupación solía presentarse en el hotel Taft, donde se desarrollaban bailes latinos cada dos semanas alternando con las agrupaciones de primer orden en el ambiente. En una ocasión, mientras aguardaba en el hotel recibió el acercamiento de los músicos Chiqui López y Luis Goycochea indicándole que el director Orlando Marín estaba interesado en hacerle una audición. "Fui a la audición y me di cuenta que, en realidad, no estaban interesados en mí y lo que hacían era utilizarme para asustar a su cantante", apunta. Aunque esa experiencia quedó en nada, al momento de su prueba estuvo presente el pianista Eddie Palmieri, que entonces trabajaba con la orquesta de Tito Puente. Éste lo escuchó con suma atención y tras contemplar su desempeno se dijo para sí: "El día que haga una orquesta, ese muchacho será mi cantante".
La carrera artística de Ismael Quintana transcurrió como vocalista de varios cuartetos y quintetos con los que solía presentarse en el Club Campana, que ubicaba en el Bronx. Su participación se hizo notar en los grupos de Joe Carino y Miguel Godreau, con los que interpretaba las canciones que estaban de moda.
"Poco a poco empezamos a crear nuestro propio repertorio con boleros, guarachas y merengues. En ese momento conocí la música de Fernando Álvarez, y me encantó. Su trabajo me influyó mucho en mi estilo de cantar", sostiene. Esa etapa musical transcurrió entre los anos 1957 al 1959. Como dato curioso, fue en medio de una de esas presentaciones en el Club Campana que el vocalista conoció a su esposa y con quien se casó el 21 de marzo 1959 y junto a la que ha permanecido por casi cinco décadas. Hasta ese momento, Ismael Quintana andaba por un rumbo separado al de su colega Eddie Palmieri, quien continuaba cosechando frutos como pianista de la banda de Tito Rodríguez.
Sin embargo, el denominado "Rumbero del Piano" maquinaba la idea de lanzar su carrera como líder de su propia orquesta y -ha confesado el músico- contemplaba cómo habría de escucharse su agrupación con la voz del joven cantante que conoció en medio de una audición con los músicos de Orlando Marín. "No nos conocíamos, aunque habíamos asistido de nino a las mismas escuelas. Pero en esa época yo estaba metido en los deportes, por lo que nunca coincidimos. Cuando él (Eddie Palmieri) fue a crear su orquesta llegó a mí por intermedio de unos amigos en común y nos sentamos a hablar", La primera reunión entre Ismael Quintana y Eddie Palmieri se produjo en casa del hermano del músico, el también pianista Charlie Palmieri, en 1960.
En aquella ocasión se sentaron frente al piano y comenzaron a hurgar entre el repertorio que ambos conocían para "probarse" musicalmente. "No teníamos nada en común. Él me decía: 'Tú conoces este número', y yo decía, no. Le preguntaba por los míos y él tampoco los sabía", narra el vocalista, quien llegó a su cita dos horas más tarde de lo acordado porque se encontraba jugando un partido de sóftbol. El punto de encuentro surgió cuando Eddie Palmieri comenzó a presentarle a su colega sus nuevas composiciones y "con eso comenzamos a batallar".
"Arrancamos con cosa nuevas. Al principio, cuando iba a los bailes, lo que hacía era que escribía las letras de los números en un index card y con tape los pegaba en el micrófono. Así leía las canciones y cantaba. Después le anadimos al repertorio otras cosas que eran números cubanos de la Sonora Matancera", cuenta. Al paso del tiempo, los salseros comenzaron a unir sus talentos para componer. "Él tenía algunas melodías y yo le ayudaba con las letras", dice, al tiempo que menciona las canciones "Vámonos pal monte", "Isla preciosa", "No me hagas sufrir" y "Adoración" como el resultado de esa creación colectiva.
Para Ismael Quintana, la idea de integrar la nueva orquesta de Eddie Palmieri, denominda La Perfecta, representó una de sus más importantes oportunidades profesionales, "un escalón". Conocía de sobra del talento del músico, quien para entonces se había destacado por su participación en la orquesta de Tito Rodríguez, así como con su trabajo acompanando, en ocasiones, a Vicentico Valdés y Jonnie Seguí. Cuenta el cantante que su experiencia con el pianista fue "su universidad". Allí, junto a una batería de músicos de primer orden, curtió su talento en la interpretación y aprendió a tocar maracas, una distinción importante para los grandes cantantes. "En esa orquesta aprendí mucho de (los instrumentistas) Many Oquendo, Tommy López, Mike Collazo, Barry Rogers, Chocolate Almenteros y Vitín Paz. Fueron mis maestros", sostiene con orgullo.
Al repasar esa época, el cantante la asume como el periodo en el que maduró y aprendió de música. "No podría haber tenido mejor influencia que ésa". "Cuando comenzamos con Eddie y La Perfecta fue una cosa muy linda porque, contrario a otras orquestas, estuvimos trabajando mucho tiempo antes de grabar. Éramos bastante populares en el ambiente porque el sonido de la orquesta tuvo un impacto tremendo con la gente y todavía no habíamos grabado nada", narra.
El despegue musical de La Perfecta se logró gracias a la articulación de un sonido diferente al de las charangas, que estaban de moda a principios de 1960. La propuesta de Eddie Palmieri, por su parte, reemplazó la combinación sonora de violines con flauta, clásica combinación charanguera, por dos trombones y flauta, en un ejercicio innovador. "Hicimos algunas cosas en charanga pero nuestro sonido era completamente diferente a lo que había. Nuestra creatividad fue la razón por la que triunfamos. Teníamos dos orquestas en una porque lo mismo tocábamos charanga que música afrocaribena", acota.
La mágica combinación de Ismael Quintana y Eddie Palmieri quedó consignada en la primera grabación de la orquesta, lanzada al mercado en noviembre de 1961 por el sello Alegre bajo el título de "Eddie Palmieri and his conjunto La Pefecta". La producción incluyó los temas "Conmigo", "Isla preciosa", "Mi guajira", "Ritmo caliente", "Cachita" y "Bailaré tu son", entre otros. Un ano después apareció el segundo disco de la agrupación, "El molestoso", recordado por sus temas "Así es la humanidad", "Lázaro y su micrófono", "Contento estoy", "Yo sin ti" y "No critiques". A este álbum le siguió "Lo que traigo es sabroso" (1963), que incluyó, entre otros, uno de los más grandes éxitos en la carrera de Ismael Quintana, "Muneca". El catálogo discográfico del binomio continuó con la producción de "Echando pa' lante" (1964), su primer trabajo para el sello Tico Records, que antecedió a la publicación "Azúcar pa' ti" (1965). En el ínterin, Ismael Quintana, a quien todos admiraban por la calidez de su voz, comenzó a ser solicitado por otros artistas para trabajar en sus producciones como corista.
Una de esas primeras colaboraciones fue junto al músico José Calderón ("Joe Cuba"), en 1965, para la grabación del disco "Las canciones que mi mamá no me ensenó". En este proyecto la voz de Ismael Quintana se hizo escuchar en las melodías "Préstame la olla", "El pirulí", "Ella sola se engancha" y "Amarra los perros del curro".
Al lado de la orquesta de Eddie Palmieri, Ismael Quintana se convirtió en uno de los vocalistas más importantes de la nueva musicalidad antillana surgida a partir de los anos 60 y que se denominó salsa.
La melodiosa voz del intérprete de "Adoración" se fundió a la perfección con la cadencia rítmica que destilaba la fuerza del sonido de la agrupación. En el ambiente musical, la pareja se instituyó como una de las más aclamadas y sus discos se convirtieron en favoritos de los melómanos. Producciones como "Mambo con conga es mozambique" (1965) continuó mostrando la capacidad de innovación de Eddie Palmieri y el esplendor que tomaban sus trabajos en voz de Ismael Quintana, a quien todos nombraban "Pat".
Su saga de producciones discográficas continuó con "Molasses" (1966), seguido por "Champagne" (1968), "Justicia" (1969) y "Superimposition" (1970), todos considerados grandes éxitos de la música afrocaribena. En el ínterin, y como parte de sus colaboraciones con otras orquestas, su voz volvió a escucharse en una producción junto al trombonista Johnny Colón, en 1969, en la que interpretó la canción "New York mambo". Antes, había participado del disco "New Sound in Latin Jazz" (1967) con la orquesta de Vladimir Vassilieff, compartiendo la parte vocal con Felo Brito. Pese a esas comparecencias "amistosas" con otros líderes musicales, el cantante nunca contempló, hasta ese momento, la posibilidad de abandonar la banda de Eddie Palmieri para ingresar a otra agrupación.
"Soy bien fiel y a menos que no fuera con él no me interesaba participar con más nadie", anota. Sin embargo, al momento de surgir la posibilidad de trabajar un álbum en solitario lo aceptó, contando con la anuencia y colaboración de su amigo y colega. "En la casa discográfica United Artist me hicieron una oferta para grabar un disco. Aunque siempre me mantuve fiel a Eddie, estuve siempre grabando cosas con mucha gente hasta que un día Ralph Mercado y Rey Avilés se me acercan y me ofrecieron grabar. Yo hablé con Eddie y él no tuvo problemas, lo vio como algo lógico entre nosotros y algo de lo que yo me podía beneficiar", dice.
De esa manera, y dejando las puertas abiertas en la orquesta de su colega, Ismael Quintana decidió aceptar la invitación y firmó con la empresa United Artist. Su primera producción en solitario fue "Punto y aparte" (1971) que contó con la colaboración de Charlie Palmieri y Javier Vázquez en los arreglos musicales. El disco incluyó, entre otros, los temas "La oportunidad", "Bomba de fiesta", "Divina mujer" y "El maltrato", todas de la inspiración del cantante.
Luego realizó el álbum "Dos imágenes" (1972), con arreglos de Louie Ramírez, Javier Vázquez y Héctor Garrido. Algunas de sus melodías fueron "Serenata con sabor", "Hijo de Yemayá", "Boboquivari", "Montuno le traigo" y "Vacilo con tumbao", esta última del compositor Tite Curet Alonso. En ese tiempo su voz también volvió a sonar con la orquesta de Eddie Palmieri en los discos "Vámonos pal' monte" (1971), "Eddie Palmieri in Concert at the University of Puerto Rico" (1971) y "Live at Sing Sing" (1972).
En 1973, Ismael Quintana comenzó a realizar presentaciones acompanado de la orquesta de Luis Cruz. Fue el inicio de un nuevo periodo en su carrera que comenzó a florecer, aunque su presencia y su voz nunca se desligaron del éxito alcanzado junto al denominado "Rumbero del Piano". Ese mismo ano, el salsero recibió una invitación de Johnny Pacheco y Jerry Masucci para formar parte del equipo musical de Fania. "Ellos me hablaron y me pidieron que firmara con su disco y yo no sabía si eso era buena idea o no. Jerry Masucci me ofreció producir mis discos y seleccionar a los músicos que quisiera para acompanarme porque quería grabarme. Antes de todo, lo primero que me pidió fue que participara en el concierto que tenían planificado celebrar en el Yankee Stadium, y yo acepté", comenta.
Para esa ocasión, el empresario le recomendó que interpretara un número de su propia inspiración, que de inmediato recibió el tratamiento musical del maestro Bobby Valentín y que se llamó "Mi debilidad". En ese momento, Ismael Quintana, que era una gran personalidad del ambiente musical afrocaribeno, lució por primera vez su voz junto al cónclave de estrellas salseras más importantes de la época, en el evento más impactante celebrado por Fania. A partir de entonces, apareció su primera producción con Fania, consignada en la subsidiaria Vaya Records, de título homónimo (1974), y en la que colaboraron Papo Lucca, Bobby Valentín, Johnny Pacheco, Barry Rogers y Héctor "Bomberito" Zarzuela, entre otras figuras.
Su relación con la discográfica salsera continuó con "Lo que estoy viviendo" (1976), "Amor, vida y sentimiento" (1977) y "Jessica" (1979). Ismael "Pat" Quintana posee una de las voces más privilegiadas del cancionero salsero. Su trabajo ha brillado lo mismo en la interpretación de melodías cadenciosas y colmadas de fuer- za rítmica como en la vocalización de temas amorosos en tiempo de bolero. Aun cuando tuvo el talento para despuntar como líder de su propia agrupación, nunca consideró la idea. En parte, por su fidelidad a la orquesta de Eddie Palmieri -junto a la que ha trabajado desde 1960- y por su confesa renuencia a liderear con músicos.
"Nunca hice una orquesta porque no me pareció buena esa movida. Soy muy responsable y vi los problemas que suceden con los músicos y las orquestas y nunca quise quedar mal con nadie", sostiene. De esa manera, el tiem- po que el artista laboró como solista sólo se hizo acompanar de otras agrupaciones. En cambio, en sus casi 50 anos de historia artística, nunca ha abandonado su relación con Eddie Palmieri al punto de ser considerado por el músico como "el mejor cantante" con el que ha trabajado.
"Soy parte de su vida, fui su cantante original, el que más ha hecho cosas con él y el que más he compuesto temas con él", expresa con júbilo. A pesar de que el vocalista logró posicionarse con éxito en las lides musicales, supo hábilmente dividir su tiempo entre su oficio de cantante y otros desempenos laborales. "Nunca me dediqué completamente a la música. En todo ese tiempo hice trabajo de relaciones públicas con una firma dental, fui tronero de hierro y trabajé en el Departamento de Recibimiento de supermercado, de donde me retiré en 2002. Hice todas esas cosas porque me casé muy joven y tuve un hijo, y la responsabilidad de mantener mi hogar era prioritario y quería algo más estable", comenta el salsero, quien actualmente reside en el estado de Colorado (Estados Unidos) junto a su familia.
Ismael Quintana, que ha compuesto alrededor de 30 canciones, ha cultivado una extensa discografía que es catalogada por los expertos como una de las más importantes en la salsa. Cuenta que uno de sus álbumes favoritos es "Sentido", grabado en 1973 con Eddie Palmieri y que incluye canciones como "Puerto Rico", "No pienses así", "Condiciones que existen", "Adoración" y "Cosas del alma". A lo largo de su carrera también ha grabado percusión y coros con otros artistas, como Tito Puente, Tito Rodríguez, Frank "Machito" Grillo, Joe Cuba, Johnny Pacheco, Ray Barretto, Charlie Palmieri, Rafael Cortijo, El Gran Combo, Willie Rosario, Bobby Valentín y Papo Lucca.
En su catálogo se consignan, además, su disco junto a Papo Lucca, "Quintana y Papo, mucho talento" (1983); su participación junto al maestro Tito Puente en las dos producciones en homenaje a Beny More; su interpretación del tema "Orgullo a la montana" con la orquesta de Louie Ramírez en el disco "Salsa progresiva" (1979); y su vocalización del bolero "Piénsalo bien" en el disco "Más salsa que pescao" (1973) realizado por la orquesta Luis Colón y su Tripulación.
por Hiram Guadalupe Pérez (c) 2005 - 2013 Viejoteca
El teatro inclusivo en Panamá tomó fuerza hace dos años, cuando Woodman, Gerbaud y otras personalidades de las tablas montaron "La Cucarachita Mandinga".
Todo comienza con el nacimiento de Ramiro, como en la canción de la ópera de salsa "Maestra Vida" de Rubén Blades. Pero aquí se trata de un niño que viene al mundo con una condición especial que pone a prueba la fortaleza de sus modestos padres: el síndrome de Down.
Ramiro, sin embargo, crece con el amor y el apoyo de su familia y termina convirtiéndose en chef. A su vez, tiene que sortear los conflictos de clases sociales — argumentos típicos en la música de Blades — para lograr amarrar al final al amor de su vida, Ana Paola.
Esta es una de las dos historias que se tejen al compás de las letras y la música de clásicos de Blades que dan vida a la obra de teatro musical inclusiva "Sin tu cariño", escrita y dirigida por la dramaturga panameña Hannia Woodman.
La obra, la segunda de este tipo desde "La Cucarachita Mandinga" (2014), se estrena el jueves en el Teatro En Círculo en el centro de la ciudad, con funciones todos los días hasta el 30 de abril, con excepción del 25 y 26.
"No se pierdan 'Sin tu cariño', espectáculo teatral inclusivo...", instó el lunes el famoso salsero en su cuenta de Twitter, en un mensaje acompañado con el cartel publicitario de la puesta.
Un grupo de 14 personas con síndrome de Down entre jóvenes y adultos, respaldados por profesionales del teatro panameño, actúan en la obra, con la que se quiere dejar al público una lección: que el padecer esa condición genética no debe ser excusa para ser arrinconados por la sociedad.
"El mensaje que queremos dar es que ellos pueden hacer cosas", dijo Woodman a The Associated Press. "Inclúyelos en tu vida, no los escondas; tienen cosas que aportar y aprender de nosotros".
El arte, en este caso el teatro, también está contribuyendo como terapia y al crecimiento de este grupo, señaló Alida Gerbaud de Fábrega, coordinadora de producción junto con Mirella Arias Porras.
El teatro inclusivo en Panamá tomó fuerza hace dos años, cuando Woodman, Gerbaud y otras personalidades de las tablas montaron "La Cucarachita Mandinga", una famosa farsa para niños del extinto escritor Rogelio Sinán en el que tomaron parte un grupo de chicos con Down, muchos de ellos presentes en "Sin tu cariño", como Ana Paola.
"Notamos que avanzaron muchísimo en su desarrollo. Es una terapia maravillosa para ellos", resaltó Gerbaud, al tiempo que expresó que "es una lección de vida trabajar con ellos, son chicos que no tienen malicia, que dan todo por el todo, y nos dimos cuenta en 'Cucarachita mandinga' que bailan muy bien".
"Sin tu cariño", con la dirección musical de Alfredo Hidrovo y coreografías de Meli Moreno, toma su título de un tema homónimo que Blades grabó con la Fania All-Star en 1978.
La idea para la obra nació cuando la directora y productora vieron durante "La Cucarachita Mandinga" cómo estos muchachos con síndrome de Down se movían al ritmo de la salsa. Las letras de corte social del salsero panameño resultaban perfectas para hilvanar las historias de dos familias con hijos con el síndrome, en que afloran la vida en el barrio, la superación, el amor y las diferencias de clases.
"Nosotros lo contactamos a Blades para que nos permitiera los derechos de autor de las canciones y él nos apoyó, incluso en el tema que da el título a la obra", destacó Woodman. "Él de alguna manera nos está monitoreando", añadió, aunque no supo decir si el cantautor de "Pablo Pueblo" podrá asistir a alguna de las presentaciones.
El cantante y actor panameño Luis Arteaga, uno de los profesionales de las tablas que hace el papel del padre de Ramiro, interpreta al principio de la puesta "El nacimiento de Ramiro" haciendo énfasis en el mensaje de la canción de que su vástago llegue a hacer una persona útil, "que no me salga ladrón" o corrupto.
La obra transcurre al ritmo de temas como "Decisiones", del álbum de Blades "Buscando América" (1984); "Plástico", "Buscando Guayaba" y "Pedro Navaja", de "Siembra" (1978); "Ligia Elena" y "Madame Kalalú", de "Canciones del solar de los aburridos (1981). Y, por supuesto, de "Sin tu cariño", que celebra la consagración de los lazos de amor de las dos parejas que sirven de hilo en el musical.
Para esta obra los chicos y adultos con síndrome de Down pasaron prácticamente un año y medio preparándose, con clases de teatro y de baile regulares en los últimos meses.
"Pusieron mucho más empeño para la segunda", estimó Woodman. "El libreto está para que todos se luzcan en un momento dado de la obra".
Gerbaud señaló que aunque no ha sido fácil, pues a algunos les ha costado aprenderse pasajes del libreto, los creadores del espectáculo estarán atentos para auxiliarlos durante las presentaciones.
Ellos "requieren de ese cariño, de la sociedad que los acoja como unas personas que no son incapacitadas, que tienen una condición", destacó la coordinadora.
El grupo Maná anunció este martes el aplazamiento de sus conciertos en Ecuador por el terremoto que sacudió el sábado al país y dijo que serán reprogramados para fechas que se darán a conocer en los próximos días.
En un comunicado, la formación mexicana señala que, "ante los recientes embates de la naturaleza", se solidariza "con todo el pueblo ecuatoriano" y agrega que ha decidido posponer sus actuaciones "por respeto a las pérdidas humanas y materiales".
La banda, que tenía previsto ofrecer sendos conciertos en las ciudades de Guayaquil, el 27 de abril, y en Quito, el 30, indica que las entradas vendidas serán válidas para las nuevas fechas.
"Reiteramos nuestro abrazo solidario y de respeto a todos los hermanos ecuatorianos, los cuales estamos seguros que sabrán salir adelante", concluye.
El terremoto, que ha causado al menos 480 muertos y 4.027 heridos, se produjo a las 18.58 hora local del sábado (23.58 GMT), entre los balnearios costeros de Cojimíes y de Pedernales, en la provincia de Manabí y colindante con la vecina Esmeraldas.
Tras el desastre, el Gobierno ecuatoriano declaró el estado de emergencia en las provincias de Esmeraldas, Manabí, Guayas, Santo Domingo de los Tsáchilas, Los Ríos y Santa Elena, así como el estado de excepción en todo el territorio nacional.
